7 Películas de animación que son “La puta hostia”

La industria de la animación ha pasado por grandes revoluciones desde su nacimiento, no olvidemos que se gestó como una experimentación, pero bueno hoy en día gracias a Pixar, Gibli, Dreamworks y todos esos estudios que han realizado películas de una belleza innegable y cuyo mensaje logra ser más transparente y emotivo que películas con actores de carne y hueso es que nos hemos olvidado muchas veces que la animación es un mundo ajeno a las convenciones. Cierto que tenemos un catálogo de películas animadas que de alguna forma han restringido nuestra manera de aceptar estética y conceptualmente cualquier opción, obviamente Disney y Pixar han monopolizado un estilo comercial que nos ha hecho imposible a la gran masa de espectadores pensar siquiera en otro camino posible, pero incluso dentro de esa misma convención y hegemonía se pueden encontrar verdaderas obras de arte como “Wall-e” o “Como entrenar a tu Dragón” que a pesar de entrar en una categoría infantil valen muchísimo más que cualquier pochoclero actual, en fin…A lo que voy con todo esto es que para el reducido mundo que mueve los engranajes de la animación hay muchas otras ventanas abiertas que sólo las grandes puertas de Alcalá que todos conocemos. En lo personal hice un curso de animación el año pasado (aprovecho de dejar en evidencia mis “lindos, lindos” trabajos) y pude descubrir muchas técnicas, salir de los márgenes establecidos por el mainstream animado, entender que la expresividad y conceptualización de la animación requiere mucho del talento artístico y de la visión que sus realizadores tengan…Pero por sobre todo que se debe tener mucha, mucha, mucha paciencia para dedicarse a eso, sin ir más lejos la cinta chilena ganadora del oscar “Historia de un oso” tuvo una producción de alrededor de cinco años en su realización, tiempos que exceden al de muchas películas independientes no animadas.

Y bueno en ese recorrido dantesco que uno se da por ver cosas diferentes y extravagantes, buscando maravillarse con esa otra animación más expresiva, experimental y estilista, pero que tampoco abandona su vocación de entretenimiento, he decidido establecer esta lista con 7 película que todo buen español de Andalucía diría “Son una pasada” ya que proponen otro estilo al conocido por todos tanto en su concepto como narrativa, muchas de ellas tienen quizás un valor agregado si se les ve en estados volátiles, pero en general todas estas películas por si mismas son una gran pasada y las recomiendo de corazón.-

 

Gandahar (1988) Director: René Laloux

Una película de ciencia ficción de la mano del maestro Laloux, un franchute que tiene un par de condecoraciones por su aporte a la animación. La historia nos cuenta la invasión del mundo de Gandahar por un ejército de “Hombres de Metal.” Y está basada en la historia original de Jean Pierre Adrevon e Isaac Asimov. En términos artísticos la película contiene una expresivo diseño de escenarios, muy fantasiosos e imaginativos, pero que destacan por alejarse del estilo que durante esos años estaba en boga que era la animación japonesa y Norteamericana (Robotech por un lado y He-Man por otro) llegando a un cierto punto a sacar trazos de cada una, pero siempre manteniendo su propia voz.  Si bien la animación no es muy fluida o no es lo suficientemente fluida para lo que algunos momentos de acción requieren, no parece ser  un gran problema ya que el fragor de la historia se desarrolla con la misma parsimonia y aquel detalle parece incluso como si fuese algo intencional. Aunque la historia es bastante básica y padece de importancia frente a la magnificencia del concepto artístico igual se pueden rastrear atisbos de problematizaciones filosóficas o cosas por el estilo. 

Metropia (2009) Director: Tarik Saleh

Una oscura historia  ambientada en un futuro distopico donde ya no hay petróleo y Europa está conectada a través de una enorme red de metro subterraneo. Roger, un aburrido funcionario fiscal harto de la burocracia que ronda en su vida comienza a escuchar voces en su cabeza, toda esta presión ejerce una paranoia en él que decide hacerlo escapar del control al que está sometido por el sistema. Si bien el argumento de la historia parece bastante repetido y sus fuentes se pueden rastrear desde la novela de Orwell “1984” Metropia fue una de las obras de animación injustamente más desapercibidas por este sector del planeta  ya que estamos hablando de una película de grandes características en su técnica y arte, los parajes abrumadores y somnolientos de una Europa sobre industrializada son retratados en sus interiores con un sepia que muestra luces tenues mientras los exteriores dan atisbos de un azul sintético. Inspirada en los trabajos de Terry Gilliam, Roy Anderson y  Yuriy Norshteyn, aquí las fotografía de lugares reales fue alterada en Photoshop y modificada mediante el uso de programas de edición para posteriormente ser animadas. Una gran obra, obviamente no es la película perfecta, pero sí tiene mucho inventiva.

Waking Life (2001) Director: Richard Linklater

La rotoscopia es una vieja técnica que consiste en tomar una grabación real y calcar cada fotograma de éste para obtener una animación lo más realista posible. Lo usaban mucho las caricaturas de Tex Avery (el más recordado es el corto del lobo de ojos saltones y la caperucita sexona) pero también en varias películas de Disney se ha echado mano a este recurso en momentos específicos, sin embargo, Richard Linklater se sirvió de esta técnica para realizar toda su película.  Este proceso permitió que se los animadores pudiesen dibujar líneas estilizadas y colores a cada fotograma haciendo un uso similar a los trabajos de Ralph Bakshi en la década de los 70`. Distintos animadores trabajaron en el proceso de post-producción por lo que durante toda la historia se pueden ver un fluir de estilos y trazos. Quizás el argumento de la película es más del gusto de aquellos que gusten filosofar sobre la inmortalidad del cangrejo ya que seguimos a un adolecente que tiene un sueño lucido y va escuchando a distintos personajes (en largos planos fijos) hablar sobre la vida, la muerte, lo profano y lo divino. No hay un fin específico y la película se sostiene mucho sobre diálogos aleatorios (un poco como “Café y cigarrillos” de Jim Jarmusch) que sobre una historia fija, sin embargo, ese estilo desgarbado de animación queda como anillo al dedo a esta temática. 

Mind game (2004) Director: Masaaki Yuasa

Gracias a un amigo y su blog, pude ver está película y quede sorprendido por la calidad altísima. Es animación japonesa muy distinta a la que estamos acostumbrados, por un lado hay fotogramos añadidos, dibujos que parecen hechos a la rápida y otros mucho más detallados. Es una película muy profunda, pero que no pretende en lo absoluto ser pretensiosa y quizás lo más asertivo que tiene es que no deja de ser entretenida más allá de lo efectista que puede parecer a quien sólo conoce sus momentos de esquizofrenia con los que erróneamente puede deducir que se trata sólo un montón de imágenes locas sin sentido. En lo personal siento que es una obra muy redonda, pero atosigante, que no te permite pestañear en ciertos momentos y cuya vorágine de imágenes, estilos, diálogos, escenas sobre escenas hacen que esto busque ser más un collage de sensaciones que un rompecabezas, aunque sí tiene una historia, tal vez un poco simple, pero créanme que la película no se queda en simplezas. Nishi, el típico nipón sin gracia y con miedo a tomar decisiones por si mismo se acaba de reencontrar con su ex novia del colegio Myon quien se va a casar. Para recordar viejos tiempos deciden ir a comer a un puesto de comida que ella junto a su hermana tienen, cuando intempestivamente unos miembros de los yakuzas irrumpen rabiosos alegando tener cuentas pendientes con el padre de las chicas. Bueno…el asunto es que Nishi se ve envuelto en este altercado y es asesinado, pero estando en el limbo decide el mismo darse una segunda oportunidad y arriesgarse más en la vida por lo que en un imprevisto giro del destino vuelve el tiempo atrás y logra deshacerse de los malos, escapando de la mafia junto a Myon y su hermana en un espectacular persecución automovilística que termina en un accidente improbable que hace que el trio sea devorado por una ballena teniendo que sobrevivir en el interior de esta.

Uff, bueno eso es gran parte de la película, pero en realidad los flashazos de vidas paralelas y vistazos a escenas del pasado o escenas que sólo suceden en la imaginación de los personajes harán que la experiencia de cada espectador al ver esta película sea única y no se guie solamente por lo que parece ser el hilo grueso de la trama. Una maravillosa joya de la animación, diferente y única. Una locura en el mejor sentido. Por cierto el director es un fanático de las caricaturas de la Tex Avery y es quien estuvo detrás de la expresiva “The Tatami Galaxy” 

Sobrevivir a la vida (teoría y práctica) (2010) Director: Jan Svanjmaker

Svanjmaker es toda una institución en el mundo de la animación, su fascinación por el stop motion lo ha hecho crear cortometrajes de antología y que son material obligatorio para cualquier estudiante de una escuela de animación. Su obra más conocida es la oscura versión que realizó de Alicia en el país de las maravillas, pero si debo recomendar una película que me parezca es “una pasada” hay dos de este buen hombre que se merecen mi respeto. Por un lado la perturbadora “Sileni” y por otro la barroca “Sobrevivir a la vida” y ya es cuestión de con qué lugar te sientas más cómodo, para mi Sileni es una experiencia un tanto indigesta, obviamente en calidad no hay nada que reprochar. Sin embargo, prefiero recomendar siempre la segunda porque es un trabajo más accesible, pero igual de surrealista que todos los que ha hecho. “Sobrevivir a la vida” se hunde en el psicoanálisis y sus símbolos para representar mediante recortes, animaciones de maqueta, figuritas y un portentoso estilo de stop motion una comedia de un hombre de mediana edad llamado  Evzen, quien se siente atrapado en su monótona vida de oficinista y escapa de ella mediante sueños recurrentes en donde sueña con una maternal mujer vestida de rojo. Cuando le confía a su médico que esta perdidamente enamorado de ella, éste le manda directo al psiquiatra quien intenta deshacerse de esta obsesión, tratamiento que Evzen no está dispuesto a realizar, pues sólo desea seguir soñando con en esa fantasía. La película homenajea y critica al mismo tiempo las prácticas psicoanalíticas mediante gags, metáforas y diálogos que buscan desentrañar el mundo de los sueños, el erotismo, la infancia. Una de las películas más lúdicas y luminosas del gran Svankmajer. 

Animatrix (2003) Directores: Varios

Esta antología de nueve cortos reunidos en una película que cuentan historias relacionadas con el universo cinematográfico de Matrix es un verdadero deleite para quien guste de la buena animación. Si bien no se puede hacer un resumen por lo variado del argumento de cada historia, básicamente funcionan como precuelas o secuelas de las películas originales protagonizadas por Kenau Reeves. Aunque se siente un marcado estilo de anime clásico (por llamarlo de algún modo) no todos los cortos son necesariamente así y más de alguno tienen aportes visuales estéticos muy valorables para la época además la música está muy bien adherida logrando que en muchos casos las animaciones parezcan videoclips muy efectivos. Animatrix estaba destinada a hacer una rareza dentro de la franquicia del universo Matrix, pero termino convirtiéndose en una película tan o mejor catalogada que Matrix o sus secuelas directas. En lo personal mis secuencias favoritas están presentes en los cortos “The Second Renaissance: Part I” y “Program”aunque en honor a la verdad debemos decir que este ejemplo dentro de esta lista tal vez sea el que menos frescura ofrece.

Boy on the world (2013) Director: Alê Abreu

Y para terminar quería poner un ejemplo latinoamericano del que todos nos sintamos realmente maravillados, pero además un ejemplo que al igual que Animatrix no se distanciaría tanto del concepto de animación que Pixar o Dreamworks nos meten con un embudo. Boy on the world (o en su título original “O menino e o mundo”) es una sensible obra de arte, muy bien elaborada y que no deja indiferente a nadie. La historia cuenta las peripecias de un niño que sale de su granja en búsqueda de su padre descubriendo los problemas del mundo industrializado. La película se convirtió en toda una crítica social, pero más allá de eso, es su fuerza estética y belleza lo que llama más la atención, emulando el trazo simple de dibujo que podría tener un niño, su paleta de colores es hermosa, vistosa y colorida se trata de uno de los logros más atractivos convirtiéndolo en una fina pieza de animación que en sensibilidad no tiene nada que envidiarle a Disney. Creo que para cualquiera conseguirse y ver esta película sería una linda experiencia.

  

*Bonus 

Los llamados “Cuadernos de animación” son un nuevo recurso que los animadores están echando mano para la producción y práctica de sus películas. Su elaboración resulta muy atractiva ya que desafía la convención de unidad estética que suele caracterizar a los productos de la industria animada, en favor de una apabullante diversidad de trazos, diseños, colorido y técnicas. En estos trabajos el animador suele registrar en su cuaderno un viaje físico hacía otro rincón del mundo, dibujando y registrando todo bajo una mirada expresamente subjetiva y sincera, sin importar que tan lindo o feo sea el dibujo ya que en este caso importa la impresión, la vivencia, lograr atrapar la esencia de lo que se vive más que desarrollarlo prolijamente, tal como cuando uno toma apuntes no le importa la caligrafía de su letra. Estos bocetos toman un relieve inesperado desvelando en el resultado final los hitos de su propio proceso creativo. Casi como si el trabajo del Concept Art que precede a la producción natural de una película animada se filtrara hasta el final.  El trazo representa la voz del realizador en primera persona quien generalmente se enfrenta a un “otro” desconocido, un mundo distinto lleno de sensaciones y misterios. En estos trabajos las películas nos muestran la presencia física de las páginas del cuaderno y todo los recursos físicos que en ellas se encaja (figuras, recortes, objetos…) como un collage en movimiento que permite la mixtura de distintas técnicas animadas. Dejo aquí algunos ejemplos de cortos recomendados, no tienen desperdicio alguno revisarlos.

 

Madagascar, Carnet de voyage (2009) Director: Bastian Duboís

 Cortometraje entero

Viagem a Cabo Verde (2010) Director: José Miguel Ribeiro

Solo trailer