Por mucho tiempo esta banda fue
una especie de placer culpable, en el 2004 cuando impactaron popularmente en el
mundo, su marca estaba muy ligada al gusto otaku y a su extravagante moda que
vestía las tribus urbanas más insólitas, me hicieron apreciarla casi a
escondidas y renegando de su genialidad. Eventualmente deje de escucharlos por
mucho tiempo y como todo en la vida es cíclico, los volví a escuchar cuando me
encontré el año pasado con un video de ellos tocando en vivo. El santo
algoritmo de youtube me hizo volver a escucharlos y también volver reconocer en
ellos una banda única, más allá de modas y tonterías otaku.
Bueno, un brevísimo resumen para
quién a penas conozca a L´arc en Ciel como la banda que canta los opening de
Full Metal Alchemist. L´arc en Ciel, también conocida cariñosamente como
Laruku, es un grupo de rock que se formó en Osaka en 1991. Consiguieron un rápido
ascenso al éxito convirtiéndose en una de las bandas insignias del rock Nipón.
Su estética también impactó, ampliamente basada en el steampunk, lo gótico y el
anime, razón por la que su sonido de alguna forma remite a todo ese imaginario,
algunxs los categorizaron como estilo VISUAL. A lo largo de su carrera han
lanzado doce discos con material original, dos discos que contienen versiones
alternativas de sus mejores canciones e infinidad de recopilatorios y grandes
éxitos. Es una larga trayectoria así que vamos a ver qué onda.
12.- Real (2000)
Al revisar la discografía entera
del grupo podemos notar que la consistencia es uno de los elementos que más
presencia toman sus trabajos. Los nipones, en mayor o menor medida, intentan
enlazar un sonido distintivo que le de cierta coherencia a sus discos, sin que
necesariamente correspondan a trabajos conceptuales. Pues bien, para mí Real es
el trabajo que más carece de aquella atención lo que lo hace sentir un disco
que quisieron sacárselo de encima, tiene
sentido si tomamos en cuenta que después de este trabajo vendría un silencio
discográfico de cuatro años. Se notaba un cierto cansancio y las composiciones
no brillan demasiado, dejando de lado ese factor entre meloso y dramático de
sus canciones más conocidas. En general podemos notar un giro mucho más abierto
que va desde el pop comercial hasta el rock atmosférico, mientras que los pocos
temas rockeros se escuchan bastante añejos y aburridos, aun así hay un par de
temas que dan muestra de que la sensibilidad indie aún la tenían, pero ya para
esas alturas Laruku era una banda de estadios y fuegos artificiales y esa
simpleza ya no les era muy orgánica.
11.- Butterfly (2012)
Después de cinco años sin
entregar nada nuevo, Laruku ya consagrada como una banda insignia del rock japonés
y entendiendo la arquitectura de sus sonidos, otorga de un agasajo a sus fans
más acérrimos que sostienen viva la cultura del VISUAL ROCK. BUTTERFLY mantiene
la marca sonora que sus integrantes habían estado esculpiendo en sus proyectos
solistas, a puntos que las canciones se escuchan más como extensiones de sus proyectos
alternos, siendo VAMPS la banda hardcore de HYDE (vocalista del grupo) la que
más filtra su sonido oscuro, por su puesto los coqueteos con la electrónica
hacen que el disco torne algo mucho más suave, dark pop, casi cercano a The
Rasmus o HIM. Este disco tiene una apertura mucho más mundial (por decirlo de
alguna manera) con este trabajo la banda establece sus deseos de conquistar
parte del mercado occidental, pero su sonido y nombre aún están muy ligados al
anime y la moda extravagante por lo que
tampoco pueden renunciar a ese sonido tan de opening que los hace reconocidos.
Es un trabajo colorido, suave, quizás el disco más pop que han realizado al
punto que se vieron casi obligados artísticamente a lanzar un disco alternativo
ese mismo año que recogía sus mejores canciones en clave punk, bajo el nombre
Punk n ciel, una especie de banda alter ego. En lo personal lo considero un
trabajo demasiado empalagoso y que más que mostrar a una banda nos enseña el
talento individual de sus integrantes. De todos modos, como siempre hay
canciones sobresalientes, aunque esa onda tan de sonidos electrónicos
cibernéticos o coros grandilocuentes a lo MUSE son la cara que menos me atrae
del grupo.
10.- Awake (2005)
Awake es un punto fuerte en los
trabajos del conjunto. Marcando un sonido que los distanciaba de sus anteriores
entregas. Producto de un par de giras con las que el grupo pretendía despedirse
de sus fans, Hyde (voz), Ken (guitarra),
Tetsuya (bajo) y Yukihiro (batería) decidieron volver al estudio para producir
10 canciones completamente inéditas que nunca habían sido tocadas en vivo (la
banda solía presentar temas inéditos en sus conciertos) el resultado fue AWAKE,
un disco enérgico y de una vibra que intenta retrotraer a sus orígenes por lo
menos en cuanto a su sentido más desgarrador. Seis de las composiciones corren
por parte de HYDE (una en conjunto a Yukihiro)
mientras que cuatro son de Ken y dos de Tetsuya. Por tanto se puede
sentir una atmosfera mucho más dramática y engolada, propia del estilo de HYDE.
Además las letras por primera vez empiezan a tratar sobre temas sociales
(Existence), conflictos militares (Hoshizora) y depresión (Killing me), cabe
decir que HYDE fue quien escribió todo el material lirico (algo que suele
suceder). Estos antecedentes nos hacen reconocer en AWAKE un disco donde la
presencia de Hyde es preponderante y termina comiéndose casi a toda la banda.
“Jojoushi” cuenta con una sección orquestal dirigida por Jeremy Lubbock, este tema iba a formar parte
del segundo trabajo en solitario del vocalista. En general un disco potente,
pero que parece más un trabajo de Hyde y eso se nota al punto de que en la misma
portada del disco su figura es la que abarca más espacio.
09.- Ark (1999)
Ark fue el primer intento de
internacionalizarse, con más presencia de letras en inglés y una producción
cada vez más espectacular tanto en sus videos musicales y shows en vivo, la
banda tenía las intenciones de comerse el mundo. Aventurándose con métricas
poco usuales dentro de sus composiciones como se puede notar en la
enternecedora “Perfect blue” y con un Hyde menos ambiguo para usar su voz
(Forbidden lover y Cradle) , el disco pretende tener una fuerza orquestal a
punta de recursos poco usuales que iban desde usos de batería electrónica en
canciones como Larva, Butterfly sleep o Shinjitsu To Gensou to, cortesía de
Yukihiro (el flameante y prolijo nuevo baterista del conjunto), un bajo de
sonidos menos opacos y el uso de pedaleras más estrafalarias para el ritmo y
secuencias de la guitarra. Se podría decir que este fue el punto de inicio para
que L´arc en ciel tomara elementos un poco más lúdicos en su música, así como
un estándar más occidentalizado, lo que los hace sonar casi como una nueva
banda. Este quiebre es quizás el que separa las aguas entre sus fans, pero no
tanto por la experimentación sonora que se agradecía, sino más bien porque este
disco, escuchándolo en perspectiva se siente muy alejado de la mayoría de su
discografía y sin embargo, es evidente que propone una seguidilla de elementos
que serían cruciales y que la banda no dejaría de retomar en sus próximos
trabajos. Si bien, no todo es experimentación, el disco también contiene
canciones de un J-Rock comercial que no dejaba de sonar bastante superior a lo
que las bandas japonesas de ese entonces tocaban, aunque ya era evidente que se
estaban alejando de un sonido enérgico y agresivo, siendo Driver´s High quizás
la canción que más destaca y también la más recordada por haber sido el primer
opening del anime GTO.
08.- Heavenly (1995)
El tercer disco del conjunto
carece de cierta inventiva y viene a recargar un poco lo que sorprendió de
TIERRA. Heavenly suele ser olvidado, pero realmente es un disco muy bien
pulido, de matices mucho más luminosos que sus anteriores trabajos. Su sonido
produce ciertas reminiscencias a U2, Queen y al post-punk de la corriente de
The Smiths, unos colores musicales que ya habían probado con éxito en algunas
canciones de su anterior disco, acá lo recargan siendo Hyde su principal
compositor, por lo que resulta evidente que sus preferencias por el pop y las tonadas más armónicas se tomaran gran
parte de las canciones. Es un disco potente, pero aún no conseguían el
dinamismo rítmico ni la cuota de tensión vocal que alcanzarían después. Además
el disco sorprende con ciertas melodías que intentan acercar un poco el J-Rock
con la fanfarria de las óperas, un experimento singular que sale más o menos
bien. Un trabajo interesante, pero irregular a ratos, que puede a llegar a ser
tan profundo e intenso con canciones como Glass dama o Shizuka no umi de, así
como infantil y coqueto con and she said o C´est la vie.
Canciones destacadas: Stil ´m whit you, Vivid Colors, Glass dama, Natsu no yuu-utsu y Shizuka no umi de
07.- Ray (1999)
De vuelta a 1999, donde la banda
se dio el lujo de sacar tres discos (uno de ellos un conjunto de remix a cargo
de Yukihiro) El mismo año de los espectáculos masivos con pirotecnia y
complejas puestas en escena, diríamos que fue el año en que L´arc en ciel se
convirtió en un grupo integrado por personajes de anime. De esa bella época de
renacer artístico, el grupo entrega con Ray una propuesta más rockera y rebelde
que los conectaba mucho más que sus fans hardcore, lo que hace que este disco
se recuerde con más cariño que ARK. Si bien muchas de las canciones presentes
ya habían sido lanzadas en formato single, como Honey, Kasou, Shinshoku ~Lose
control~, la banda igualmente sorprendió con canciones dramáticas, enérgicas y
llenas de emoción, un sello característico del conjunto, temas como Is the end,
The silver shingin o trick lo dejan ver a la perfección. El espacio para la
experimentación electrónica a cargo de Yukihiro tiene su lugar en la hipnótica
L´heure, una delicia trip hop llena de una vibra inquietante, pero cautivante.
Mientras que las canciones de corte más pop cumplen su gancho con coros
atractivos y estribillos potentes como lo demuestran Kasou, snow drop o la
emblemática Honey, una de las canciones que se han convertida en un tema fijo
en todos sus conciertos y que ha sido reinventada en distintas versiones por la
propia banda, una exquisita versión bossa nova y otra como una tonada más
hardcore interpretada por Punk´n ciel, el grupo alterego.
06.- Heart (1998)
HEART nace en un momento crítico
para el grupo. Su meteórico ascenso a la fama se vio catapultado en su momento
cuando su primer baterista SAKURA fue descubierto con posesión de cocaína por
parte de la policía. El honor japonés termino por pasarles la cuenta y la banda
estuvo a un tris de separarse, pero en vez de eso decidieron volcar toda la
ansiedad que este hecho les provoco para sacar un disco lleno de sentimiento y
dolor, siendo uno de los trabajos más desgarradores del conjunto. La llegada de
Yukihiro al grupo no produciría mucha influencia sobre el sonido de las
percusiones como lo haría después, pero consigue demostrar ser más que
eficiente para hacerse cargo de las baquetas del grupo, consiguiendo ejecutar
con precisión, excelente tempo y prolijidad respecto a cada sonido de sus
percusiones, de esta forma Yukihiro debuta dándolo todo en una producción donde
las baterías tienen una preponderancia muy interesante, quizás justamente para
hacer notar ese toque que lo distinguiría de su antecesor. Nuevamente Hyde se
encarga de todas las composiciones, añadiendo esa oscuridad pomposa e intensa
en cada canción lo que se desprende de inmediato con los primeros acordes de
LORELEY o en la nostálgica y visual Winter fall, así como la asfixiante Niji,
que en sus letras narra en primera persona lo que el grupo experimentó en esos
momentos cruciales en que creían que todo iba a terminar. La guitarra tiene una
participación más relegada a segundo plano, acoplándose perfectamente a los
ambientes oscuros, pero cuando requiere su participación, aparece con marcado
acento metalero en la notable Shout at the devil. Para este momento la banda
aún mantiene su sello emocional otorgando canciones coloridas y complejas como
Promise land, Milky way, birth o fate en donde se puede notar la primera
experimentación con baterías electrónicas, funcionando bastante orgánico al
sonido habitual de la banda, como sabemos esto después iría aumentando. Quizás
era el disco correcto para el momento, aunque se echa de menos una guitarra más
cruda o un bajo más protagónico, es un disco muy profundo que cuesta escucharlo
muy seguido.
Canciones destacadas: LORELEY, Winter fall,
shout at the devil, Niji, Promise land, Fate y Milky way
05.- Kiss (2007)
Podrá parecer un capricho, pero
siempre que hago estas listas me gusta que en los primeros lugares esté, en lo
posible, algún trabajo que no tenga que ver con los primeros años de la banda,
odio esas listas donde siempre son los primeros trabajos los que están en los
primeros lugares, es tan común y hace parecer que la banda jamás pudo superar
su impacto inicial. Tal vez los primeros tres lugares siempre los ocupen sus discos
iniciales, está bien, pero no hay que desconocer la evolución, invención y
madurez de las otras etapas. En este caso no me fue difícil ver en Kiss, su
penúltimo trabajo a la fecha, un gran disco que supera con creces a muchos
anteriores. ¿Qué tiene de bueno que antes no se haya visto? Para empezar a
diferencia de Butterfly, este no es un conjunto de singles, opera con un
concepto de principio a fin, tanto en el arte grafica de su diseño como en todo
lo promocional que lo acompañó, demostrando una vez más que L´arc en ciel era
un grupo que trascendía el componente musical. Este trabajo se permite jugar
con ritmos punk que recuerdan el sonido amable y enérgico de Asian Kung Fu
generation, en canciones como Pretty girl o Spiral. Muchas de los temas
correspondían a demos inacabadas de épocas anteriores, la mayoría desconocidas
para un público general, la banda las reinventó con determinación consiguiendo
verdaderas joyas que conectan con el tenor de sus primeros trabajos como la ya
mencionada Spiral o la tétrica Daybreak´s bell que fue usada como opening para
el anime de mechas Mobile Suit Gundam,
siendo este uno de los temas más
técnicos y que respira mucho de la influencia de grupos como Black Sabath o
Rainbow, notándose la mano de Ken. Suna dokei, la composición que Tetsuyo
aportó tiene aires de dream pop y se mantiene como un ensueño hasta llegar a
puntos muy altos en su coro. El toque electrónico característico de Yukihiro
esta vez convive en completa armonía con el sonido matizado de la banda,
consiguiendo dotarlo de un ritmo, a veces demasiado pop genérico como ocurre
con la sobre estimada Seventh Heaven, pero otras veces con buen despliegue como
en Umibe o Alone en la vida. El disco consigue ser un buen viaje por cada
rincón sonoro que ha caracterizado a la banda, desde la balada histriónica con
Yuki no ashiato, la canción nostálgica que siempre sonara tan a opening de
anime de los noventa como en My Heart Draws a Dream o la melodía lúdica como
con la siempre festiva Hurry Xmas. Un trabajo muy cohesionado y que mostraba a
un grupo maduro y totalmente desenvuelto en los terrenos que saben manejar,
para mí si alguien quiere empezar a internarse en los sonidos del grupo, recomiendo
este disco para empezar, aquí lo resumen y exponen todo.
Canciones destacadas: Pretty girl, My Heart Draws a Dream, Spiral, Alone en la vida, Daybreak´s bell, Umibe
y Yuki no ashiato.
04.- DUNE (1993)
La llegada de DUNE fue imprevista
para el mercado musical nipón, si bien ejemplos de un ritmo oscuro, guitarrero
y dramático estaban presentes con creces en bandas como X Japan, la aparición
de L´arc en Ciel con este disco parecía replicar aquello, pero dotándolo de una
belleza juvenil que estaba presente no sólo en sus lozanos integrantes, sino
también, en las melodías alegres que saltaban entre los ritmos tensos que
organizaban las canciones, lo que hace que L´arc en Ciel tenga ese aire
esperanzador difícil de explicar, pero fácil de captar. Su primer disco le
otorgo de esa identidad que los distinguiría tan bien dentro del panorama.
Shutting in the sky, el track que abre el trabajo toma la influencia de un rock
bastante glam en su sonido, pero con la distorsión que presentaban bandas punk
de la época como The Blue heart, grupo del que se consideran deudores así como
también de los poperos Only Tokyo, una especie de The cars japoneses, en
quienes se puede sentir completa su influencia con el tema que da nombre al
disco. Esa vibra encantadora se traduce a tonadas cautivadoras como VOICE. La
mayoría de los temas fueron compuestos por Ken o Tetsuya, por lo que se logra
sentir un estilo que descansaba mucho en los matices de la guitarra, siendo
pesada en algunos pasajes (Taste of love) pero mayormente rápida y con una
preponderancia al sonido acústico para transmitir cierto aire misterioso (Be
destined, tsuioku no jouke) Esta mezcla de potencia tan orgánica, en donde la
guitarra y bajo dotan de una atmosfera electrizante todo el disco, hacen que la
batería de Sakura (aunque precisa) quede un poco relegada. Obviamente Hyde se
luce con letras de amor/desamor dotándoles de una sentida y siempre conmovedora
interpretación. Un gran debut, manteniendo cierta esencia del post rock
ochentero, pero con miras a un sonido mucho más complejo que conseguirían pulir
en su siguiente disco. De todas maneras, para encontrarse con unos L´arc en
ciel en estado prístino e independientes de todo marketing, este disco es el
indicado y por lo mismo el favorito de muchxs.
Canciones preferidas: Shutting from the sky, Voice, Taste of love, Floods of tears, Be destined, tsuioku no jouke, As if in a dream y Dune
03.- Smile (2004)
Luego de cuatro años sin material
original y tras innumerables compilados de grandes éxitos, la banda estaba
lista para regresar. Su anterior trabajo REAL, había dejado los estándares algo
bajos por lo que para SMILE se esforzaron en entregar un disco que dejase
conforme todo el abanico de sonidos que los caracterizaba, pero dotándolos de
una producción más elaborada que a ratos recuerda el Absolution de Muse (banda
que de alguna forma sería su símil Ingles). Ken y Tetsuo son los principales
artificies de las canciones, siendo este último quien decidió dotar de una
atmosfera más pop y juvenil al álbum, reconociendo su sello de compositor oreja
en la vibrante Ready steady go (opening del anime Full metal alchemist) o Times
goes on. Así mismo las guitarras más trasheras que conviven con los coros pop
en una extraña, pero perfecta armonía vienen de la mano de aquellas canciones donde
la guitarra tiene una presencia inusual como en la desafiante Coming closer, la
cañera Kuchizuke o la metalera Lover Boy, todas cortesía de Ken quien ya había
perfeccionado sus inquietudes más hardcore por medio de su proyecto Sons of all
pussys, su banda más cercana a la efervescencia de Motorhead que a la paleta
pop de intérpretes como KENO. Esta corriente estilística devuelve a Laruku a su
lugar más intrépido, pero igualmente hay espacio para la experimentación
melódica como en la industrial REVELATION, aporte de Yukihiro, mientras que Hyde
se abstiene de sus falsetes y práctica un canto más seco y rudo que conecta a
la perfección con el sonido heavy del disco, siendo spirits dream inside (tema usado
en la fallida película basada en el juego Final Fantasy) uno de sus puntos
altos en cuanto a composición. La balada intensa corre por parte de la
sobrecogedora Hitomi no Juunin, uno de los temas favoritos en los conciertos,
innegablemente una canción súper bien producida y que consigue su efecto,
aunque para mi gusto demasiado sobrecargada aunque resulta totalmente coherente
para el concepto de SMILE. Sin duda un disco vitalizante, que muestra a una
banda distendida y cañera, sería la última vez que los tendríamos en una faceta
así.
02.- Tierra (1994)
Si Dune fue una especie de bosquejo de lo que
sería L´arc en ciel, TIERRA termina de finiquitar aquello dotando a la banda de
una personalidad única, una estética atrapante, un sonido casi cinematográfico
y una constante atmosfera de nostalgia. Superando con creces la propuesta
enternecedora de DUNE y consiguiendo amasar melodías disonantes dentro de un
mismo tema, este disco consigue emocionar y llevar el listón muy arriba, razón
por la que este trabajo continua siendo emblemático para la carrera del grupo.
No sólo contiene su súper éxito Blurry eyes, uno de los temas más
característicos del sonido elemental del grupo (y que sería usado como opening
del legendario anime DNA2) sino que también posee canciones favoritas por parte
de su fanaticada más acérrima como la pesadillesca All Dead o la oscura Blame.
Para este trabajo Hyde entraría de lleno a la composición, consiguiendo arrimar
sus creaciones a los ritmos técnicos y sombríos de Ken, el arranque con In the
air, así lo confirma, un hermoso pasaje de rock alternativo que va explotando
en completa emoción.
Sakura también se encarga de la
composición, entregando la heavy Inner core, uno de los temas más apreciados
por los fans y que muestra la faceta más adrenalinica del grupo, cercano a las
tonadas de los ingleses Killing Joke. Los aportes de Haruo Togashi en el piano
y órgano dotan de una delicadeza al disco en canciones que ya mostraban esa
faceta de ir agregando ritmos de mundo como ocurre en la magistral Nemuri ni
Yosete que pasa de una guitarra y organos que hacen alusión a ritmos bossa
nova, a un coro cercano al grunge, o los teclados de la hermosa White Feather
que transforman el tema en algo que no costaría imaginar a Morrisey
versionandolo, los aportes del teclista serian constantes en la carrera del grupo
llegando a ser considerado un quinto miembro del conjunto en algunas ocasiones.
Así mismo el aporte de Kuni Tanaka en el saxofón se repetiría a futuro en otros
discos, acá aparece en la reage Wind of gold. Un disco muy superior a la media
que muestra a una banda en un momento muy alto y que entregaba algo distintivo
a lo que la mayoría del j-rock proponía para ese instante. Melancolía,
dramatismo y energía, L´arc en ciel presentan un disco que a más de treinta
años de su estreno sigue sonando llamativo.
Canciones preferidas: In the air,
All Dead, Blame, Wind of gold, Blurry eyes, Inner Core, White Feather, Nemuri ni Yosete y Kaze no yukue.
01.- True (1996)
Ya sé que dije que odiaba esas
listas donde los primeros trabajos solían estar en los primeros lugares, pero
me fue imposible no reconocer la brillantez del cuarto disco de la banda: el
más equilibrado y uno de los más inspirados en su historia, la banda suena muy
ajustada, potente e intensa a partes iguales. Este disco volvía a subir la
apuesta luego de mantener cierta contención en su tercer trabajo. Con True la
banda prácticamente se gradúo de la escuela del rock, patentando
definitivamente un sello propio y demostrando a la crítica que aún podían
superarse luego de l impacto que fue TIERRA. Para este trabajo la banda invito
a Haruo Togashi para formar parte de la composición y arreglos de algunos
temas, así como también al compositor orquestal Takeyuki Hatano, entre otros
nombres que colaboraron.
El disco abre con una vena
dramática que las cuerdas vocales de Hyde traducen con desesperanza, pero al
mismo tiempo ternura, se trata de la emocionante Fare Well, que da paso a la
bailable Caress of Venus, uno de los temas insignes del conjunto, que retrotrae
a una atmosfera de bar perdido en algún lugar de Osaka, los solos de guitarra,
presentes en todo el disco, son un punto que alucina ya que Ken realmente consigue
lucirse y tener una presencia incombustible en este disco. No por eso Tetsuya
queda relegado, su bajo le otorga de un color distintivo a la alegre The Fourth Avenue Café, tema elegido para ser
el cuarto single del disco, pero que se vería truncado al explotar todo el
problema de su baterista Sakura, esta canción sería el tercer Ending del famoso
anime Samuray X, pero debido a esos problemas fue quitado y su emisión sólo
alcanzo a darse en tres episodios del programa. Tetsuya también aporta con un sonido
de bajo peculiar en la sobrecogedora Lies and Truth, en donde Hyde comandaría
la melodía sinfónica con mucha potencia. Flowers sería una de las composiciones
propias de Hyde en las que más se nota la influencia de TIERRA. Mientras que
Round Round despliega ese costado más heavy del grupo. Good morning Hide fue la
composición que Sakura aportó a este trabajo y es quizás el tema que más
palidece ya que es el que menos pudo envejecer bien y a estas alturas se
escucha muy superada, algo similar ocurre con Kaze ni Kienaide, pero a pesar de
ello, ambos temas dentro del disco funcionan a la perfección y les dan ese aire
de continuidad con sus trabajos anteriores. I wish mantiene ese sonido de feria
de atracciones, festiva y alegre, marcando un precedente sonoro de muchas
canciones posteriores en la historia del grupo que seguirían por esa línea, con
un coro de niñxs cantando al son de Hyde, simplemente bello. El trabajo culmina
con la densa y romántica Dearest Love. TRUE es un disco que consigue encontrar
el punto justo en los múltiples sonidos del grupo. No aburre, constantemente desafía
al oído y es hasta ese momento su mejor nivel de producción. Era increíble lo
mucho que habían crecido en sólo cuatro años de vida, su vertiginosa carrera
seguiría haciéndoles crecer, pero este disco marcaría un momento de cuasi
perfección.
Canciones preferidas: TODAS
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